15/05/2012 - 07h27

Exposição no Masp reúne telas, desenhos e esculturas de Modigliani

SILAS MARTÍ
DE SÃO PAULO

Durou só três horas a primeira e única mostra individual que Amedeo Modigliani fez em vida. Quando o artista expôs 33 nus femininos numa galeria parisiense em 1917, a polícia interditou a exposição no vernissage, alegando ser um atentado ao pudor.

Diante de suas telas, no entanto, essa acusação espanta. Seus nus, um deles agora peça-chave da grande mostra do artista italiano que começa no Masp nesta quinta, não têm quase nada de lascívia.

Modigliani, que morreu tísico aos 36 anos, em 1920, foi para os críticos um retratista da alma, um artista que mergulhava na psique de seus modelos. Na cultura popular, é o cara que pintava homens e mulheres de pescoços alongados e traços angulosos.

E uma coisa não anula a outra. Sua forma de ver o mundo partiu de uma noção clara da cultura clássica, grega e renascentista. Passou pela influência de vanguardistas --Brancusi, na escultura, e Cézanne, na pintura-- e terminou distorcida por uma visão arraigada em conceitos e números da cabala judaica.

Talvez por esses e outros motivos suas mulheres nuas jamais teriam a volúpia ou o realismo do que fez Gustave Courbet com o sexo escancarado da modelo no clássico "A Origem do Mundo", nem mesmo as segundas intenções da "Olympia", de Manet.

"É uma visão traumática do corpo feminino, sem provocações ou sedução", analisa Christian Parisot, um dos curadores da mostra no Masp. "Aspectos anatômicos não interessam, já que ele propõe uma nova dinâmica do corpo feminino, inaugura uma sensualidade distinta."

	Divulgação
	"Moça de Olhos Azuis", de Modigliani

RETRATO DE CÉLINE

Em sua "Grande Figura Nua Deitada", que estará no Masp, Modigliani retratou Céline Howard, mulher de um escultor americano em Paris.

"Ela posou três vezes para ele, sempre ao lado do marido cão de guarda", conta o crítico Olívio Guedes.

"Ele fez sua carne de cores quentes, manipulando a temperatura da pele. Mas ao mesmo tempo construiu um olhar que escruta, quase capaz de ver dentro do espectador."

Modigliani fez dos olhos de seus retratados uma espécie de radiografia dos sentimentos. 

Escondeu neles muitas vezes símbolos e números cabalísticos. Também alternava texturas, eliminava a íris de alguns retratados, fazendo olhos chapados, negros, ou até quadriculados, penetrantes e estranhos.

Seus ambientes, sempre fechados e em tons quentes, também reforçam essa ideia de mundo intimista, figuras mergulhadas num universo paralelo que se alongam e se esticam em direção ao céu.

Esses rostos e olhos ovalados e pontiagudos vêm ao mesmo tempo dessa visão religiosa -a ideia cabalista de uma descida da luz divina para o plano terreno-, de obras de artistas vienenses como Klimt e Egon Schiele e das esculturas que observou, desde os exemplares africanos que faziam a cabeça dos cubistas ao reducionismo formal das obras de Brancusi.

Modigliani, aliás, construiu quase toda a sua obra, mesmo as pinturas, usando um raciocínio escultórico, de traços sintéticos e linhas de força bruta. Seus biógrafos dizem que ele só não se tornou um grande escultor pela fraqueza de sua musculatura e sua doença pulmonar.

	Divulgação
	"Grande Figura Nua Deitada", tela de 1918 que está na mostra do Masp

PRIMITIVOS E CUBISTAS

Usando as pedras importadas para a construção do metrô de Paris e papel de embrulhar pão para fazer seus rascunhos, Modigliani fez algumas esculturas, como as cariátides da mostra no Masp.

"Ele tem um grande interesse pela estatuária grega e, ao mesmo tempo, por obras primitivas", analisa Parisot. "Sua escultura é uma combinação de elementos negroides com preceitos cubistas."

Mas tanto as esculturas quanto as pinturas devem toda a sua força à compulsão febril com que desenhava. Ele chegava a fazer até cem desenhos por dia em folhas que se acumulavam no ateliê e desapareceram com o tempo.

"Essa era sua maneira de traduzir em imagens suas visões imediatas", diz Parisot. "São testemunhos do pensamento por trás das obras."

No fundo, Modigliani misturou cânones clássicos e vanguardistas para construir uma obra única, um estilo que críticos não associam a uma escola ou movimento. "É algo só dele", diz Parisot. "Modigliani não teve mestres nem deixou discípulos."

AMEDEO MODIGLIANI
QUANDO abre amanhã, às 19h30, para convidados; de ter. a dom., das 11h às 18h; qui., das 11h às 20h; até 15/7
ONDE Masp (av. Paulista, 1.578, tel. 0/xx/11/3251-5644)
QUANTO R$ 15

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AMEDEO MODIGLIANI

EXPOSIÇÃO TRAZ AO MASP ORIGINAIS DE MODIGLIANI, ALÉM DE FOTOS, MANUSCRITOS E CARTAS DO ARTISTA E DE AMIGOS, A PARTIR DE 17/5 NO MASP (imagem: pintura Grand Nu Allonguè, divulgação).

AMEDEO MODIGLIANI
MODIGLIANI - IMAGENS DE UMA VIDA

Período:
17 de maio a 15 de julho de 2012

Uma coleção composta por pinturas, esculturas e desenhos originais – alguns deles nunca antes apresentados na América Latina –, além de diários, fotos e manuscritos de Amedeo Modigliani fazem parte da exposição itinerante Modigliani: imagens de uma vida, que chega agora ao MASP. A obra Madame G. van Muyden, do acervo do museu paulista, também integra a mostra em São Paulo.
O percurso expositivo leva o público a uma imersão na intimidade do artista – começando por seus estudos na Itália, seus professores, aprendizados, todas as fases são ilustradas. Seu apogeu acontece na Paris modernista, em meio a manifestações artísticas, influências e confrontos criativos com os amigos que, juntos, sacudiram os pilares da arte estabelecida e ajudaram a dar novos rumos para a gerações de artistas que se formavam em meio à efervescência cultural do início do século XX.
Autodidata e dono de um estilo inconfundível, Modigliani teve uma vida intensa, marcada por grandes amores e infortúnios. Morto precocemente em 1920, aos 35 anos, conviveu com os principais nomes da cena artística parisiense de sua época. Na mostra, esta intimidade vem à tona no diário de sua mãe, em cartas trocadas com amigos como Pablo Picasso, André Derain, Max Jacob e Léonard Foujita e nas fotos de seu ateliê, de suas modelos e dos lugares onde viveu.
Outro destaque são as 22 obras produzidas pela mulher e amigos de Modigliani, que contribuem para contextualizar o profícuo período vivido pelo artista. São três óleos de sua esposa Jeanne Hébuterne, uma gravura de Picasso, outra de Foujita, pinturas feitas a quatro mãos com Moïse Kisling, além de peças de Marevna, Jacob e outros.
Com curadoria no Brasil de Olívio Guedes, diretor da Casa Modigliani (SP), e internacional do professor Christian Parisot, presidente do Modigliani Institut Archives Légalés Paris-Roma, as obras e peças expostas vêm do acervo deste instituto e de colecionadores particulares, além de telas do acervo do MASP. “Modigliani, que foi definido ‘o artista sem mestres e sem discípulos’, se destaca no panorama de nomes importantíssimos da história da arte por ter sido fiel à sua visão figurativa da arte, conseguindo chegar a um signo identitário, que é síntese perfeita entre a imagem e o sentimento que isso suscita em transferir a alma dos sujeitos, e não apenas as fisionomias deles”, diz o curador.
Após São Paulo, Modigliani: imagens de uma vida segue para o Museu Oscar Niemeyer (MON) em Curitiba.

Serviço Educativo 
Como para as demais exposições temporárias e mostras de obras do acervo realizadas pelo MASP, Modigliani: Imagens de uma vida tem um programa educativo elaborado especialmente para atender aos visitantes, professores e alunos de escolas públicas e privadas. As visitas orientadas são realizadas por uma equipe de profissionais especializados. Informações: 3251 5644, ramal 2112.

Informações Gerais

• Modigliani: Imagens de uma Vida
  De 17 de maio a 15 de julho, no MASP 
  
  
  
  MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
  Av. Paulista, 1578. Acesso a deficientes. De 3ªs a domingos e feriados, das 11h às 18h. Às 5ªs: das 11h às 20h. A bilheteria fecha meia hora antes. Ingressos: R$ 15,00. Estudantes, professores e aposentados com comprovantes: R$ 7,00. Até 10 anos e acima de 60: entrada franca. Às 3ªs feiras: acesso gratuito a todos.
  Informações ao público: www.masp.art.br Twitter: http://twitter.com/maspmuseu
  Facebook: www.facebook/maspmuseu
  Tel.: (11) 3251.5644

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PAUL CÉZANNE Madame Cézanne em Vermelho

SERVIÇO EDUCATIVO, 

ASSESSORIA AO PROFESSOR

Aula do Mês - Novembro de 2006PAUL CÉZANNE
Aix-en-Provence, 1839 - 1906

Madame Cézanne em Vermelho
Óleo sobre tela, 89 X 70 cm, 1890-1894
Acervo do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand -  MASP

A Obra

Hortense Fiquet, talvez modelo profissional, encontrou Cézanne em Paris no fim da década de1860 e em 1872 nasceu Paul. Casaram-se quatorze anos após o nascimento do filho, em 28 de abril de 1886.
A esposa foi retratada por Cézanne em vários quadros da década de 1890: Madame Cézanne na Varanda (c. 1890, Nova York, Metropolitan Museum), três versões deMadame Cézanne na Cadeira Amarela, uma no Chicago Art Institute (c. 1890) e duas em coleções particulares, ambas datadas entre 1890 e 1894. Em relação aos demais, Madame Cézanne parece estar nesse retrato, segundo Venturi (1936, p. 189), mais tranqüila, mais satisfeita, mais singela. As flores nas mãos conferem-lhe um ar mais simpático.
Camesasca (1989, p. 112) nota que o pintor busca uma análise formal livre de interferências psicológicas. Para Valsecchi, "a pose singela, a luz límpida como um cristal, que acentua a soberba realização plástica da figura, ressaltada pela lenta difusão do ritmo oval, são tão agradáveis quanto maciças, como nas figuras do jovem Giotto". As figuras de Cézanne são freqüentemente comparadas às de Piero dela Francesca pela monumentalidade e aparente falta de expressão. Elas são, de fato, marcadas por uma expressão que corresponde mais a seu temperamento, que à representação de um momento da vida interior.Cézannesuspende-as numa atmosfera pensativa. Valabrègue afirmou que os retratos do jovem Cézanne pareciam mostrar alguma vingança por alguma maldade que o modelo houvesse feito contra ele.
A partir de 1875, a agressividade dá lugar a uma busca da essência interior dos retratados; tal atitude acentua-se depois da dispersão dos impressionistas em 1878. Nos retratos da mulher realizados nos anos de 1890-1894, essa pesquisa torna-se mais radical, ao isolar progressivamente o modelo do contexto exterior, com o desaparecimento do espaço cúbico da perspectiva tradicional (Ponente).
O quadro do MASP pode ser considerado uma reformulação sintética do retrato deMadame Cézanne na Cadeira Amarela (Venturi, n. 570). O fundo abstrato assume um valor importante e tende a colocar-se no mesmo plano da figura, adquirindo a mesma densidade. Cézanne busca um balanço de tensões plásticas, embora precário, e não a justaposição de planos organizados da superfície (Clay). Esse balanço reflete suas dúvidas e a série de tentativas em que consiste o processo de criação para o artista (Schapiro), evidenciando na obra uma dimensão temporal, o "arrepio da duração", como descrevia o próprio Cézanne.

O Artista

Filho de um banqueiro, cresceu numa rica família burguesa. Estudou no Collège Bourbon de Aix, onde se tornou amigo de Émile Zola, amizade que perdurou longamente.

Após terminar os estudos de Direito, viajou, em 1861, pela primeira vez a Paris, onde freqüentou o Louvre para copiar grandes pintores venezianos e holandeses, mas sobretudo Velázquez e Caravaggio.

Voltou a Aix e começou a trabalhar no banco do pai, mas em novembro de 1862 estava já novamente em Paris, onde compareceu ao Salon des Refusés, admirou a pintura de Delacroix e de Courbet e conheceu Pissarro, que devia contribuir em muito para sua orientação artística. De Aix, onde se instalara a partir de 1864, começou a enviar aos Salons oficiais obras que foram sempre rejeitadas. Nas estadas em Paris, sempre mais freqüentes, estreitou relações com os artistas do futuro grupo dos impressionistas e com os intelectuais e artistas que se reuniam na casa de Zola. A solidez construtiva de Courbet e o lirismo cromático de Delacroix tiveram grande importância nesta primeira fase da arte de Cézanne, também chamada de "romântica".

Daumier foi igualmente importante e a nova pintura de Manet, por quem Cézanne nutria grande admiração, não correspondida. Os quadros realizados entre 1865 e 1869 evidenciam a reflexão do artista sobre estes modelos (Nouvelle Olympia, A Pêndula Preta, 1869-1870, Paris, coleção Niarchos; Paul Alexis Lendo um Manuscrito a Zola, 1869-1870, São Paulo, MASP).

Com a guerra franco-prussiana de 1870, Cézanne mudou-se definitivamente para Aix e depois para L'Estaque, na baía de Marselha. Estimulado pelas pesquisas de Pissarro, eliminou o elemento narrativo das suas pinturas para reconstruir de modo sintético a percepção ótica subjetiva da realidade (A Casa do Enforcado, 1873, Paris, Musée d'Orsay). Em 1874 e em 1877, participou, sem sucesso, das exposições dos impressionistas no ateliê de Nadar.

As obras desta fase, caracterizadas por cores  mais claras e uma ordem compositiva mais severa, evidenciam a distância de Cézanne em relação ao impressionismo, patente em sua intenção, declarada, de "solidificar o impressionismo", isto é, de transformar a vibração da superfície cromática em definição do volume, na busca de uma síntese formal que identificasse os elementos básicos da linguagem da pintura.

Nas obras realizadas em Aix, entre 1883 e 1887, o controle formal na reconstituição das percepções torna-se ainda mais rigoroso. A cor transforma-se na síntese de tom e de espaço, as formas são aproximadas a uma geometria essencial, o cone, a pirâmide, o cubo, a esfera, que se identificam com a construção do espaço por parte da consciência.

Em 1886, Cézanne rompeu com Zola, reconhecendo a si próprio na figura do pintor fracassado Claude Lautier, protagonista do romance A Obra, publicado naquele ano. Foi o começo de um progressivo isolamento, que o levou a se concentrar ainda mais na própria pesquisa  artística. O sonho do pintor era elevar a uma dimensão clássica e monumental o novo sistema de valores inaugurado pela pintura impressionista, "refazer Poussin a partir da natureza", baseado na "petite sensation", reconstruída com dedicação incansável.

Por isso, retornou constantemente aos mesmos temas: vistas de L'Estaque e sobretudo da montanha Sainte-Victoire, naturezas-mortas, retratos da mulher. No último período de sua atividade, Cézanne realizou muitas composições de banhistas, até atingir dimensões monumentais (Merion, Barnes Foundation; Filadélfia, Museum of Art; Londres, National Gallery) e num grau de abstração cada vez mais acentuado. A partir do Salon des Independants de 1899, o interesse pela pintura de Cézanne, antes restrito a uns poucos colegas pintores, foi crescendo. Em 1904, o Salon d'Automne reservou uma sala ao pintor e, em 1907, foi realizada uma grande retrospectiva póstuma de suas obras. Naquele ano, Picasso pintava as Demoiselles d'Avignon e Braque irá se instalar em L'Estaque para pintar algumas paisagens que afirmam a presença de Cézanne nas raízes do movimento cubista.

De fato, toda a arte contemporânea deve à Cézanne o conceito de autonomia da forma e sua independência em relação aos dados naturais ou emocionais.

Luciano Migliaccio

Texto extraído do Catálogo do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand 
Coordenação Geral: Luiz Marques 
São Paulo: Prêmio, 1998.

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PAUL CÉZANNE Aix-en-Provence, 1839 – 1906

SERVIÇO EDUCATIVO, 

ASSESSORIA AO PROFESSOR

Aula do Mês - Novembro de 2008

PAUL CÉZANNE
Aix-en-Provence, 1839 – 1906

O Grande Pinheiro
Óleo sobre tela, 89 X 70 cm, 1890-1896.
Acervo do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand MASP.
Foto: Luis Hossaka

A Obra

Durante a realização da pintura, Cézanne acrescentou à margem superior da tela uma faixa de cerca de 12 centímetros de altura, indicativa da busca do pintor por uma medida proporcional perfeita, comparável à de Poussin. É provável que Cézanne, insatisfeito com o resultado, retomasse pelo menos mais três vezes o trabalho nesta composição (Kostenevitch 1986). A paisagem parece ser a mesma do Grande Pinheiro perto de Aix (São Petersburgo, Ermitage), do Grande Pinheiro e Rochas Vermelhas (Coleção Lecomte, Paris) e da aquarela Estudo de Árvore (Zurique, Kunsthaus).

A datação da obra na literatura crítica é variável. Javorskaya e Reff datam-na entre os anos de 1895 e 1897, Rewald entre 1890-1895 e Cooper entre 1889 e 1891. Provavelmente, foi pintada em Montbriant na propriedade de Conil, cunhado do artista, entre 1892 e 1896 (Camesasca 1979, p. 72 e 1989, p. 118). Para Schapiro, a árvore representada teria sido cara ao artista desde a infância e é citada em uma carta de 1858 a Zola: “Lembra-se do pinheiro plantada à beira do Arc, debruçando sua cabeça de longos cabelos sobre o abismo que se abre aos seus pés? O pinheiro que protegia nossos corpos do calor do sol com seus ramos. Ah! Possam os deuses protegê-lo do machado do lenhador!” Cézanne referiu-se à mesma árvore no seguinte verso de 1863: ”E a árvore sacudida pelo vento furioso, ondula no ar como um corpo imenso/ Seus ramos curvos esfolados flutuam no mistral”.

Segundo Schapiro, domina neste quadro uma concepção lírica na qual a árvore é representada como uma individualidade heróica, expressa em cada parte, desde o tronco torturado, porém vigoroso como nenhum outro, até os galhos e as folhas que quase alcançam o céu. Cézanne tende, nesta fase de sua vida, a uma solidez homogênea e sintética, que o artista alcança através da fluida e transparente fusão das cores. Suas árvores, em vez da forma maciça das colunas, assumem um relevo mais profundo, com seus ramos caídos e ondulantes. A composição merece ser considerada em si mesma. Em nenhum outro de seus quadros a paisagem evidencia tamanha independência em relação à tradição anterior. Talvez a obra de Theodore Rousseau, Diário do Verão (Paris, Louvre), possa ser considerada sua predecessora, porém de forma muito distante, inclusive em relação à iconografia. Pelo menos numa ocasião, em Neve ao Sol em Fontainebleau (Nova York, Museum of Modern Art), Cézanne usou uma fotografia encontrada em seu ateliê após sua morte, como fonte de inspiração. Camesasca (1989, p. 120) sugere que, para a realização do quadro do Masp, Cézanne tenha usado um calotipo feito por Fox Talbot em 1840, hoje guardado no London Science Museum.

O Artista

Filho de um banqueiro, cresceu numa rica família burguesa. Estudou no Collège Bourbon de Aix, onde se tornou amigo de Émile Zola, amizade que perdurou longamente. Após terminar os estudos de Direito, viajou, em 1861, pela primeira vez a Paris, onde freqüentou o Louvre para copiar grandes pintores venezianos e holandeses, mas sobretudo Velásquez e Caravaggio. Voltou a Aix e começou a trabalhar no banco do pai, mas em novembro de 1862 estava já novamente em Paris, onde compareceu ao Salon des Refusés, admirou a pintura de Delacroix e de Courbet e conheceu Pissarro, que devia contribuir em muito para sua orientação artística. De Aix, onde se instalara a partir de 1864, começou a enviar aos Salons oficiais obras que foram sempre rejeitadas. Nas estadas em Paris, sempre mais freqüentes, estreitou relações com os artistas do futuro grupo dos impressionistas e com os intelectuais e artistas que se reuniam na casa de Zola. A solidez construtiva de Courbet e o lirismo cromático de Delacroix tiveram grande importância nesta primeira fase da arte de Cézanne, também chamada de “romântica”. Daumier foi igualmente importante e a nova pintura de Manet, por quem Cézanne nutria grande admiração, não correspondida. Os quadros realizados entre 1865 e 1869 evidenciam a reflexão do artista sobre estes modelos (Nouvelle Olympia, A Pêndula Preta, 1869-1870, Paris, coleção Niarchos; Paul Alexis Lendo um Manuscrito a Zola, 1869-1870, São Paulo, Masp ).

Com a guerra franco-prussiana de 1870, Cézanne mudou-se definitivamente para Aix e depois para L’Estaque, na baía de Marselha. Estimulado pelas pesquisas de Pissarro, eliminou o elemento narrativo das suas pinturas para reconstruir de modo sintético a percepção ótica subjetiva da realidade (A Casa do Enforcado, 1873, Paris, Musée d’Orsay). Em 1874 e em 1877, participou, sem sucesso, das exposições dos impressionistas no ateliê de Nadar. As obras desta fase, caracterizadas por cores mais claras e uma ordem compositiva mais severa, evidenciam a distância de Cézanne em relação ao impressionismo, patente em sua intenção, declarada, de “solidificar o impressionismo”, isto é, de transformar a vibração da superfície cromática em definição do volume, na busca de uma síntese formal que identificasse os elementos básicos da linguagem da pintura. Nas obras realizadas em Aix, entre 1883 e 1887, o controle formal na reconstituição das percepções torna-se ainda mais rigoroso. A cor transforma-se na síntese de tom e de espaço, as formas são aproximadas a uma geometria essencial, o cone, a pirâmide, o cubo, a esfera, que se identificam com a construção do espaço por parte da consciência.

Em 1886, Cézanne rompeu com Zola, reconhecendo a si próprio na figura do pintor fracassado Claude Lautier, protagonista do romance A Obra, publicado naquele ano. Foi o começo de um progressivo isolamento, que o levou a se concentrar ainda mais na própria pesquisa artística. O sonho do pintor era elevar a uma dimensão clássica e monumental o novo sistema de valores inaugurado pela pintura impressionista, “refazer Poussin a partir da natureza”, baseado na “petite sensation”, reconstruída com dedicação incansável. Por isso, retornou constantemente aos mesmos temas: vistas de L'Estaque e, sobretudo da montanha Sainte-Victoire, naturezas-mortas, retratos da mulher. No último período de sua atividade, Cézanne realizou muitas composições de banhistas, até atingir dimensões monumentais (Merion, Barnes Foundation; Filadélfia, Museum of Art; Londres, National Gallery) e num grau de abstração cada vez mais acentuado. A partir do Salon des Independants de 1899, o interesse pela pintura de Cézanne, antes restrito a uns poucos colegas pintores, foi crescendo. Em 1904, o Salon d' Automne reservou uma sala ao pintor e, em 1907, foi realizada uma grande retrospectiva póstuma de suas obras. Naquele ano, Picasso pintava as Demoiselles d’Avignon e Braque irá se instalar em L’Estaque para pintar algumas paisagens que afirmam a presença de Cézanne nas raízes do movimento cubista. De fato, toda a arte contemporânea deve à Cézanne o conceito de autonomia da forma e sua independência em relação aos dados naturais ou emocionais.

Luciano Migliaccio

Texto extraído do
Catálogo do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand: Arte Francesa
Coordenação geral: Luiz Marques 
São Paulo, Editora Prêmio, 1998.

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